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来自 历史专区 2019-11-26 18:24 的文章
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油画技法的基本知识关于笔触和画刀的使用,评张明弘

某些美术展览几乎成了一种竞技比赛,评委选画,既不细看是否有真情、是否有个性,也不细想是否有内涵,而是比手段,比“抢眼”,比效果,比功夫……上有规则、下有对策, 不少参展者都练就了应对的高招。

初看张明弘的画,感觉是具象写实的水墨写生画,好像用水墨来画的速写,画面生动、恬静、文气。画里透着孤独和惆怅的情调,令人心动。这是最初给我的一种感觉。

笔触是油画中经常使用的一个术语。它的意思是画笔接触画布所留下的痕迹。笔触也就是笔法和用笔的问题。画家作画时运笔的方法不同、情绪不同,可以产生各种形状、节奏、气势不同的笔触,它是塑造形象的重要手段,是一种重要的油画技法。 正确而熟练地使用笔触对于是否能真实、生动地描绘对象的形体,色彩有密切的关系。初学时常常苦恼不知如何下笔,觉得横画,坚画都不对头。这是因为用笔、笔触都是和观察、理解对象相关的。不理解对象的形体结构和色彩关系,也就谈不上准确、生动的用笔和笔触。准确而生动的笔触是正确观察、理解对象的表现,是眼、脑、手协调一致的结果。深一步说,笔触和线条一样,还具有感情因素,不同的笔触可以给人以不同的情绪感受。对于成熟的画家,笔触带有明显的个人特征,是一个风格问题。例如,鲁本斯、伦勃朗和委拉斯开兹同是十七世纪的画家,但他们的笔触显著不同,一眼就可以分辨出来。鲁本斯的笔触潇洒豪放,伦勃朗的厚重多变,委拉斯开兹的自然贴切。近代以来,笔触的重要性受到进一步的强调。 笔触、笔法虽然因人而异、丰富多彩,但仍有规律可循。油画笔法归纳起来大致可以分为下述四类。 平涂法 所谓平涂法,就是笔迹隐蔽、色层平整,不显露笔触的一种笔法。颜色可以是完全单一均匀的,也可以有变化,然而是柔和渐变的,可以局部地采用,也可以整幅画都采用平涂笔法。早期油画大多采用平涂法。颇似我国传统的单线平涂的画法。稍后比较重视表现明暗、体积,但笔触仍不显露、柔和、光洁,如达芬奇、拉斐尔的作品。西方现代油画也大量采用平涂笔法,如高更的后期作品,马蒂斯的作品,常常采用平涂、勾线的画法,具有很强的装饰效果。 散涂法 所谓散涂法,就是笔迹显露,笔触分离,但色层厚薄变化不大的一种笔法。这种笔法在十六世纪末十七世纪初开始出现。十七世纪荷兰画家哈尔斯的作品是很典型的散涂法。散涂笔法至今仍是许多画家所采用的基本笔法。它要求根据对象的形体结构、体面转折关系,结合色彩使用笔触,塑造形象。也就是平常强调的根据形体下笔。这种笔法可大可小、可重可轻,运用自由,显得十分活泼多变。 厚涂法 所谓厚涂法,就是用色厚重、堆砌,色层错综重叠、厚薄相间的一种画法。厚涂法使油画表面高低不平,如浮雕一般,给人以厚实感,有助于表现物体的质感和体积感。厚涂笔法也是从十六世纪末、十七世纪初开始出现的,历来为许多画家所采用。伦勃朗的作品是使用厚涂笔法的范例。不过他采用的是透明画法,是厚涂笔法和透明的油色层相结合的方法。在直接画法中使用厚涂笔法的代表画家是莫奈、塞尚等人。塞尚常常使用画刀,把颜色厚堆上去。 点彩法 所谓点彩法,就是利用色彩的空间,视觉生理混合的原理,用密集的小色点的拼凑来塑造形象的一种笔法。这是一种在散涂笔法的基础上发展起来的画法。印象派画家莫奈常用的短小笔触,已接近点彩笔法。严格的点彩法是新印象派画家修拉、西涅所提出来并加以实践的,所以他们又称为点彩派,基作品由无数的原色点组成,色点的大小是根据画幅的大小和考虑观画时的距离来决定的。这种点彩笔法画起来很受拘束而且费事,一幅作品要很长时间才能完成,因此除修拉、西涅克等少数几个点彩派画家之外,很少画家严格采用此法。但这种笔法所包含的色彩原理,却为不少画家所吸收和加以不同的运用。 油画还可以用其它工具代笔作画,常见的如画刀、毛笔、笔杆、手指等。其中以画刀的使用最为普遍,许多作品都是用画笔、画刀结合并用的,也有整幅都用刀画的。画刀有大小不等的型号,就是同一把刀由于使用方法、部位不同,能画出许多不同的效果。画刀画出的色彩比较鲜明,适合厚涂,可以象泥水区刷墙一样把颜色糊、堆砌到画布上去。反之,画刀也可以薄画,采用削、刮的方法,使色层变薄,甚至显露出画布的布纹。一般画刀多用来画对象上的高光、近处、实处,以造成一种突出、厚实的感觉。同时用刮的方法来画暗部、阴影、虚处和远处。此外还可以用画刀的侧锋画一些细小的线条等。 国外生产的油画笔除扁形方头的猪鬃笔外,还有一种圆形尖头的鼬毛、貂毛笔,我国尚末生产,但它与毛笔有些相仿,可用毛笔代替。用毛笔着色可以使色层显得柔和润泽,同时又适合用来画细部和一些细线条。例如用来刻画眼睛和嘴角这些需要精细描绘的细节,以及用来表现象冬日明亮天空前的枯树枝,这样画起来既方便又能画得很细致,容易画出树形的完整姿态。 为使色彩变得柔和、润泽、贴切,有时还可以用手指揉擦画面 。如人体、脸部、花瓣等对象时,可以局部地用手指揉擦,取得所需要的效果。 此外,还有用砂纸等工具参与作画的。例如曾来我国展出过的十九世纪法国画家勒帕热的《垛草》一画中的农妇,她的脸部和双手色彩十分细腻,柔和,看不出一丝笔触,十分逼真。这是怎么画出来的呢?原来画家是先用笔画,再用砂纸打磨,消除笔迹,然后再施以透明的油色,渲染而成。这种用其它工具参与作画的方法还很多,而且是在不断创造发展的。 油画的笔法、笔触技巧是很丰富的,初学时最重要的是应首先明确笔触是塑造形象的手段之一,而不能片面追求笔触。要学习把笔触和色彩有机地结合起来,根据形体下笔。在上面谈到的四种笔法中,最重要的是散涂笔法和厚涂笔法。初学时应首先学习散涂笔法,再逐渐结合顾涂笔法。因为这二种笔法不仅充分体现出油画的性能,要求色彩一素描的统一,能真实地刻画形象,而且变化丰富,可以根据不同的对象,灵活运用,最适合基本练习的要求。 对初学者经常强调的用笔要摆和压接的画法,也就是一种散涂笔法和厚涂笔法。所谓摆,就是笔触要根据形体结构和色彩关系,一笔笔地画上去,达到笔笔融合。这是依靠色彩自身的准确性,达到表现对象的体面转折和色彩的渐变过渡。这要靠理解而不是靠模棱两可的用笔涂、扫、刷来获得的。这种用笔方法能严格地训练自己,并使画面色彩关系明确,形体结实。所谓压接,就是先画的颜色比原来实际的形体要画得大一些,第二、三笔颜色画上去时,是压放在已画的色层上,压出原来的形。这就是油画中常说的先破形而后有形,是一种色层、笔法厚薄相同的画法。摆和压接结合起来,再加上前面提到过的用刀刮和厚堆,表现是很丰富的,也能充分表现出油画的性能和魅力。 油画用笔一般在画暗部、阴影、虚处和远处,笔触宜乎、薄和不要显露。反之,画亮部、受光处、近处和实处,笔触宜明晰、厚重。但平薄、厚实、模糊、清晰的程度如何,要根据对象和整幅作品的处理意图,具体考虑。一幅画的笔触,同样要求变化则又统一。 初学时也宜多用大笔,大块大块地画。油画可以压接、覆盖,使用大笔也可以刻画细节。要避免用小笔谨慎微地细抠细磨。初学时整体观念本来就比较弱,再用小笔就更容易离开整体去钻细部。 为了使画面色彩鲜明,有倾向性,而避免产生粉、灰、脏等毛病,画笔要尽可能保持干净。要多准备一些擦笔纸,调色时要勤擦笔,画笔可分类使用。例如,画人物头像时,可以画背景用一支笔,画服饰一支笔,画面部二三支笔,一支用来画亮部、中间色,另一支用来画暗部、反光,再一支用来画头发或头饰。

模仿招

细看之后,感到有看头,有意思。我将其作品特色概括为:风景画的图式,山水画的精神和气韵。他基本上采用的是西画的一种具象写实的绘画方法,用焦点透视形成画面空间感,属具象写实的空间构成。这种构成形式,自民国以来,第一批出国留学以徐悲鸿为代表的画家,主张用西画的写实手法来改造中国传统绘画的造型观。这是中国传统绘画向现代转型具有历史性意义的里程碑。张明弘的画风是从上个世纪延续下来的一个样式。

来源 :网络

模仿的手段并不需要太高,具备普通美术本科生的水平足矣,但模本的选择是至关重要的,关系到参展的成败,一方面应该符合评委的口味,一方面又必须是自己容易掌握的画法。最早一批靠模仿而获奖的参展者,大多是拿国外原版画册当模本的。创作时,左边摆一本现代艺术画册,用来模仿形式;右边摆一本印象派画册,用来参考色彩,构成抄一抄,色块套一套,线条仿一仿,笔触学一学,左一眼右一眼,如探囊取物一般。更保险的做法是套用往届的获奖作品,因为这些都是评委选中的。当然,最直接的做法就是模仿评委的画法,因为模仿是最好的恭维。

如果说张明弘的这批写生作品是传统绘画向现代转型的21世纪的版本,其特点是:他在水墨写生画中,没有完全用西方素描造型的笔触去写生,没有用传统绘画骨法用笔的焦墨线条去造型,而是采用了传统绘画里的没骨画法。这就有意思了,因为西方绘画讲究的是笔触,讲究结实严谨的造型感和空间感。张明弘用富有水墨韵味的没骨画法代替了笔触。没骨画法,不强调骨的刚性,着重书写中挥写自如的韵味,让画面充满了很中国式的一种空灵虚静的意境,传递着中国的水墨精神。

抢眼招

我最近连续参加了几个油画展览,其中在中国美术学院的研讨会上,他们提出了具像表现绘画这一概念。这一概念是法国艺术评论家克莱尔在1975年最先提出了来的。其倡导的是观看的方式强调艺术表现的真实性既不是那个模仿的客观世界,也不是那种不为他人认知的主观世界,而是一个内心体验过的世界。也就是说,我们要跳出原先的观看习惯,超越定势的思维模式,用一种全新的方式来观察世界,通过自身的感受洞察其蕴含的精神力量。今天看到张明弘的绘画,我就很自然地想到具象表现绘画这个概念。他在进行艺术创作中。客观世界是绘画的写实对象,而主观是自我的感受和精神的启迪。写实对象只是他表现内心感受的外在形式,内涵的是诗意的生命,彰显的是生命的精神。他将具象和表现完美地结合在了一起。

被评审的作品常常多得没地搁,里里外外、层层叠叠,评审的过程却往往只有一两天,乃至半天。画家辛辛苦苦花费数周、数月甚至数年的作品,在评委手中或许瞟一眼就被“毙”了。要想吸引评委的眼球,光有内涵是不行的,必须得“抢眼”,就像舞台上的选美,需暗送秋波,甚至搔首弄姿。为了制造视觉冲击力,心得狠,胆得大,下手得辣。于是,张牙舞爪的、披红挂彩的、刺激的、妖艳的、猎奇的、搞怪的,各种高招应有尽有。

他的作品之所以让我感觉有种孤独、惆怅的情绪,不仅是因为画面里有很多怀古凭吊的古代人文风景,还因为他融入了自己主观的一种心情,即超越了一切物理的景象,赋之以精神内涵,提升为精神的景观。说到孤独感,或许和今天这个充满了欲望嘈杂的社会有关。他在追求内心深处灵魂的清静和纯粹,借怀古凭吊反思今日的一种形式。

效果招

张明弘的画里有少部分作品用写实的手法,超现实的形式表达了某种观念性的思想,看了以后的确让人震撼。比如作品《九月九香山多云》,在香山顶上那么多人登高望远,所描绘的心理状态不是为了展示游乐的感觉,那种争先恐后,那种脚不着地悬浮之状,表达人类焦虑、无奈的状态,让人感觉他们无目标的竞走,喻当今人们失去了信仰的迷茫。还有作品《晚霞行千里》,长城,一条血红的古老的残垣断城,大有残阳如血之感。另外,作品《心噬堕落》、《遗失的梦》,惊悚可怕,那些城上的人体或城上的一个个像幽灵似的人物,有种超体验的魔幻色彩,具有很深的内涵,耐人寻味。这里我就不一一解释了。这些画不是写生作品,而是创作,是大制作。这是艺术家的一些观念性的作品,是他思想观念通过形象视觉化了。用超现实、超验性魔幻的手法表现了对社会的思考,对于现实的批判,表现出了画家的良知,对社会的责任感。这批画应该说极富有社会思想的力量。

明明是一张完整的画,不管三七二十一,硬是被切成四块,重新装裱,变成四条屏,形式一下子就“现代”了;明明是一种十分老套的写实手法,却学着新派做法,先在底层做一番肌理,然后动笔画主体部分,完成后,在底色的表面再摆几笔厚嗒嗒的淌着油彩的大笔触,语言一下子就“新颖”了;明明是功夫修养欠缺,硬是套用时下流行的一些装饰效果,再经过各种手段乔装打扮,作品一下子就“洋气”了;明明是一幅普普通通的风景,外围画个圈,或正圆或椭圆,圈外涂个漂亮的底色,画面一下子就“当代”了,要是摆上三五幅成个系列,那就更“出彩”……这些方法虽然并不算高明,做起来又不费力,却总能够在一次次的展览评选中占优势,故常常被不少“聪明”画家采用。

我不知道他接下来要去什么地方写生,长城和东北、西北?我不希望他用过多对景写生的临摹方式,应该将主观情绪或思考更多地融入画面之中这样才能走得更远。要与客观拉开距离,更主观些,就像他的这几幅大创作,可以继续下去,创造出一种属于张明弘的独特的个性化的形式语言。

功夫招

另外,我不明白张明弘一些绘画作品里出现的某处色彩的用意,比如突然出现的一块蓝、一抹绿,与画面并不在一个层面里,是要表达什么?在画面整体构成中显得很跳,很生硬,我认为这些色彩还要斟酌。

还有一些作品,画幅大、构图满,每一个小局部都精雕细刻,上上下下、左左右右,密不透风,算是下足了功夫。作者可谓有耐心,今天描一小块,明天描一小块,就像蚕食桑,先从这头吃到那头,吃空这一片再吃那一片,不厌其烦。粗看,宏幅巨制、细致入微,着实令人惊叹;细看,却发现思想内容空洞而贫乏、艺术语言平庸而呆板、画面整体平淡而单薄,完全丧失了优秀作品应有的艺术气质和丰富内涵,生硬的笔触、堵塞的空间、沉闷的气氛,令人窒息。

特技招

武林大侠、江湖神医、烹饪大厨常常都有独门绝活,或祖传,或自创,手段十分了得。美术界也不乏这样的“人才”。液态的、颗粒的、硬质的、软质的等各类新材质的选择和运用,加上喷的、滴的、冲的、洒的、刷的、涂的、粘的等各种手段的“发明”或“新创”,画面呈现出“奇特”的效果,或抽象或半具象,常常让某些并不了解内情的评委和观众目瞪口呆、暗中叫绝。当然,身怀“绝技”的高手一旦开始进入创作,往往门窗紧闭,唯恐泄露天机。

当这些通过各种手段制作的“精美绝伦”的作品,戴着各种奖项名目的桂冠高高地悬挂在令人景仰的展墙上时,有多少人会去怀疑它的真实水平呢?然而,当你一不小心走进这些获奖者的工作室,看到那些随手画的不打算参展的未经“乔装打扮”的作品时,一定会惊呆,天哪,原来真实的绘画水平竟如此不堪入目!面对如此景象,不知各位观众怎么想,普通参展者怎么想,展览主办方怎么想,参与的评委又将怎么想?

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